¿Qué hacemos cuando escribimos dramaturgia?

Introducción

La presente reflexión y recopilación sobre elementos de dramaturgia, que aporto en este trabajo al teatro nacional, recoge ideas y conceptos de los diferentes encuentros como alumno, que he tenido con los maestros de la dramaturgia contemporánea mundial. Algunos de ellos: Sanchis Sinesterra “Dramaticidad y epicidad” (Español), Mauricio Kartun “El oficio de la escritura” (Argentina), Michel Azama “Senderos de la dramaturgia Colombiana” y “Escenas y diálogos de teatro” (Francés), Marco Antonio de La Parra “Dramaturgia y puesta en escena” (Chileno), Claudio  Girolamo “El espacio escénico” (Chileno), Pavel Novicki (Polonia) “Puesta en escena”, Juan Antonio Hormigón (España) “Dramaturgia, análisis y adaptación”, Juan Carlos Moyano “Adaptación y dramaturgia” (Colombia), Misael Torres “La dirección de actores” (Colombia), Santiago García “El proceso creativo” (Colombia). A partir de estas ideas y conceptos aprendidos con ellos, voy creando mi propio discurso, que va dando cuenta de una práctica dramatúrgica que he desarrollado en estos 25 años de trabajo creativo, en LA CORPORACIÓN ARTÍSTICA TEATRO EL FISGÓN de Medellín, del cual soy su director artístico y su representante legal. Espacio que hoy en día, aun en su marginalidad en su proyección, por ser un grupo sin sede, ha mantenido su creación artística tanto en puestas en escenas, como producción dramatúrgica y reflexiones teóricas en educación, como ha sido el proyecto de aula de clase, “Recuperación De La Memoria Colectiva, Como Trabajo Humano”, ponencia realizada en el encuentro de “MAESTRAS Y MAESTROS GESTORES DE NUEVOS CAMINOS XIX SEMINARIO” Escuela, memoria y saber pedagógico (Medellín, Agosto 13 y 14 de 2.010 Institución Universitaria Salazar y Herrera, y en el III FORO DE FILOSOFIA Y PEDAGOGIA “Pensamiento Crítico” realizado en la UNIVERSIDAD NACIONAL ABIERTA Y A DISTANCIA ESCUELA DE CIENCIAS DE LA EDUCACIÓN CEAD, MEDELLIN, 5 de agosto de 2.011. Esta práctica marginal en teatro, escritura y reflexión teórica es la que hoy quiero compartir con ustedes amigos lectores.

¿Qué hacemos cuando escribimos dramaturgia?

La escritura que es locura, no se enseña. Si se enseña dramaturgia, a hacer ejercicios idiotas. El deseo de escribir, es una pulsión. La vida esta en contra de la escritura. Hay diez mil razones para no escribir. Amansar la palabra, exige de mi una exclusividad, racionalizar la bestia que llevamos dentro. El silencio como categoría dramática. Hay una necesidad muy grande de escribir, como el hambre. Por eso escribo. No escribir sin necesidad, sin emergencia. Somos hijos de un proceso, donde a uno le toca hacer de todo, entre ellos el de escribir. Cuando escribo no se si es bueno o malo, simplemente escribo. Escribo como  creo que hablan los personajes. Mucha gente no me tiene confianza, como escribo, así soy anónimo y feliz. Todo el tiempo somos depravadores y distorsionadores de la realidad. Deformamos todo el tiempo. Retorcemos los personajes para sacarles una lágrima o una sonrisa. Somos de espíritu salvaje. Hay procesos de creación, donde el texto es lo último que se escribe. Quiero aprender lo que no se.

Nos preguntaremos ¿Para qué escribir si ya existen los clásicos? ¿Para qué escribir si ya hay tanto, tan bien escrito? Para qué escribir si Becket mato la escritura: ¿Mato los personajes, mato la acción y mato el conflicto? El complejo de la obra de arte, cada uno tiene que superarlo para poder escribir. Es la primera lucha, en la que uno se encuentra venciendo fantasmas. Las obras maestras tienen que enseñarnos a escribir, no a angustiarnos. Cada muerto que ayude a los vivos. No tengo miedo a los clásicos. Los tengo como ejemplo y maestros. De ellos debemos aprender, ¿Cómo se condensa el tiempo? ¿Cómo se para o se cancela el tiempo? ¿Cómo se da el tiempo en la fábula clásica? ¿Dónde aparecen las acotaciones?, ¿Dónde va una escena?  ¿Cuáles son las imprescindibles? ¿Cuáles son las acotaciones internas que están en el texto? ¿Cuáles son las acotaciones externas? Las rehúsan cuando están saturadas y son aquellas que comparten los personajes, ¿Cómo la circulación de la información? La memoria como pasado de los personajes puede manifestarse. Influir sobre el presente escénico, cambiando la visión del espectador, entre dos personajes. No solo contar el pasado. Esto nos debe enseñar los clásicos. Son nuestros maestros, no nuestros policías. Nos encontramos siempre en el caos, como principio de creación. El autor que tiene mucho caos, fuego de sentimientos, hay autores con un caos pequeño. Hay quienes tienen las dos cosas. El caos y lo técnico, el manejo de la acción y la palabra: Esa es la gran dificultad del escritor. Los clásicos como arranque.

Hay una confusión entre la dramaturgia escénica y la dramaturgia  escrita. No es lo mismo escribir que poner en escena, y ambos hacen dramaturgia. Saber ¿Cuándo estoy escribiendo una acción dramática? Acción y actividad es diferente. La acción es imprescindible, sin la cual no se entiende lo que hace el personaje. Hay momentos en la escritura en que uno se estanca, se ahoga, es el momento de nutrirse de otros materiales. Dar todas las consecuencias posibles a la acción. El material no puede ser homogéneo, porque me voy a ahogar en el. Siempre la misma cosa, se debe cambiar, acceder a otros materiales. Mover el punto de vista. Tener siempre un material heterogéneo. Veo los problemas escribiendo. Escribir algo que no tenga nada que ver  con lo que escribo. Eso puede funcionar,  es como darme un recreo. La obra debe tener una misión. Debe tener un norte. Hay que intentar resolver cosas, eso me nutre y puede desembocar en algo interesante. Tener pequeñas ventanas, donde se vea la miseria humana, en un momento. La heterogeneidad, es abrir una ventana. No hay racionalidad, parece casualidad. No puedo encerrarme en un solo tema. Debo dar cabida a otros temas que me impactan.  No preenjuiciar los materiales, todo lo que me impacta es bueno. Abierto a todo lo que me interesa. Luego encontrar la unidad, ahí funciona el inconsciente. ¿Por qué escogí, lo que escogí? Esa es mi unidad, sin clasificación intelectual. Pensar en cosas vistas, para apuntar a cosas concretas y sensuales (en lo sensorial, no hay imaginación), uno se entrena, anotar con los oídos, o con los ojos, o con el tacto, o con ambos, con olfato, pura nariz. Desarrollar los sentidos en los personajes. Escribir cosas increíbles para el ojo del espectador. El sexto sentido: La sensación general, la percepción del todo. ¿Qué es lo sensorial y lo concreto en lo que escribo? Escribir con sensaciones. Que produzca sensaciones, tener y dar sensaciones. Sin sensación no hay metáfora. No es espectacular.

Es una manera de escribir, de afrontar con una sensación. Sensación fuerte que termina en metáfora. Siempre sensación, como cuando un niño habla de la arena. Sensaciones de niño,  para nombrar las cosas. Siempre encontrando sensaciones. Cuando escribimos, o cuando actuamos pasamos por el mismo filtro, el cuerpo. Escribir para el que nos lee. Qué quiero que sienta, desde la sensación. Funciona cuando es reveladora, lo mismo el teatro. Nos desconectamos desde la razón y el intelecto. “El carro impacto el plátano”, se ve algo, no es cualquier cosa, es algo particular. Es como nada, pero es algo. Hay frases muertas por lo abstracto, que designe una imagen clara. Algo que informe, que de una sensación clara a quien la lee o la escucha. Damos vida a cada frase, las frases muertas se deben matar. Debemos saber si viven o  si se mueren, todo es un juego. Cada  frase esta dicha una vez, debe entenderse una vez. “Vi una pequeña hormiga roja, arrastrando un gran grillo verde, cruzando el camino”. Debe haber un misterio. El teatro no es literatura. Economía no es pobreza. Evitar la carga de palabra. Algo que haga que el texto pueda vivir. En el texto no puede decirlo todo. Es un a síntesis. El texto es algo que nutre el espíritu del otro. Un texto no solo informa, trabaja con sentimientos produciendo emociones. Concebir personajes sensoriales. Uno escribe sobre la caracterización de un personaje. Sobre lo inesperado, porque la vida es inesperada. Una película que trabaja esto a fondo es, “Pecados Capitales”. Siempre buscar consecuencias activantes. No es llegar a lo extraño, sino a lo concreto. No debe ser esperado, ni evidente. Es el mismo trabajo de una replica a otra. Tenemos que inventar todo el tiempo. Cuando un personaje dice su propio pensamiento, es la peor obra, no se debe hacer. Matamos el personaje. Expresarlo de otra manera. El trabajo de lo inesperado.

Que las cosas vengan de un contexto inesperado. Se hacen metáforas del sentimiento, para pasar por la acción. La caracterización del personaje, también por lo inesperado. Lo inesperado esta en todas partes, puntos de inflexión: Ruptura que delatan algo del personaje. Puede ser que todo lo que hace un personaje, sea lo que uno odia. Un silencio viene luego de una cosa fuerte. Todo el tiempo es un juego de lo inesperado. Cuando escribimos importa ¿El para qué? Las tres virtudes del dramaturgo: Lo concreto, lo económico, y lo inesperado. Un texto se dice en pocas palabras. Hay un trabajo de sorprender. Escribir sobre cosas prohibidas que pueden ser las aceptadas por la sociedad., algo desconcertante. “Silenciosamente empujo la puerta y ella se cubre” Mezcla de lo concreto y lo imaginario. Como en Macbet, cuando lava sus manos la sangre real, produciendo la sensación  del horror de su crimen. Hay un salto poético, que es lo que desconcierta. Como un sueño de niño, sencillo pero profundo, la sencillez aparente, como en Chejov. Borrar cada frase que no corresponda a lo concreto. Se trabaja con la información. Lo concreto de lo imaginario.

Ejercicio: Escoger un título y escribir tres frases sorprendentes. Lo inesperado. El título puede ser una trampa, decepciona cuando es evidente. Cuales son las palabras que decepcionan. La mirada singular de cada uno.

Ejercicio:

Título: “Los Secretos de Samy”

Cuatro frases sorprendentes:

“En la inmensidad de la oscuridad, tus ojos una luz”

“En el dolor de mí ser, tú eres el bálsamo de mí consuelo”

“Tú mirada vidrio cortante”

“Un peluche rojo roto, tú corazón”

Hay una dramaturgia del acontecimiento. Del acontecimiento periodístico: Su carácter de espectáculo. Rastrea las cosas desde la memoria, para llegar al origen. ¿Cómo seguir la consecuencia del acontecimiento, en el futuro? Una obra que muestra claramente esta  característica, es “Crónica De Una Muerte Anunciada” de Gabriel García Márquez.

La economía del texto.

¿Cuáles el signo, el significante, y el significado de lo que escribo? Escribo desde la falta de los recursos, desde la necesidad. Escribir desde los espacios, genera la idea. Inventarnos otras miradas. Escribir desde el objeto, desde el elemento, desde la necesidad. No percibo estructuras, ni análisis conceptuales, cuando comienzo a escribir. Parto de que nadie quiere leer mis obras, y menos montarlas.

Yo valoro el material según lo orgánico que sea. Según la radiación y el poder de sugerencia que tenga. Cuando escribo me gustaría ser un niño, que va a la playa por primera vez. Siempre escribo a partir de una imagen generadora. ¿Desde dónde habla el personaje?, es la plataforma de la narrativa. ¿Qué debo yo mostrar, y qué debo yo ocultar, para que lo poético surja? Puedo fragmentar y el espectador  aislar y unir. La imagen no es un concepto, la construye el espectador. El dialogo no debe ser cortante, por el contrario debe proponer nuevas situaciones. Todo el tiempo uno escribe borradores, y al final uno mas terminado. El autor es un reciclador de temas y elementos teatrales. Los lenguajes de época, hay que reproducirlos en lo contemporáneo.

Soy un creador de subtextos. Cosas que no se dicen. Cosas que están entre líneas. Lo onírico. Donde mas sufro es escribiendo. El teatro no es literatura. Escribo sin estilo, soy un encuentro de muchas cosas. Hago anacronismos, fusiono diferentes lenguajes.

 Quiero referirme al concepto de dramaturgia, sabiendo que no solo es el autor quien hace dramaturgia, sino también el director de teatro, el actor, el bailarín  y el coreógrafo.

Dramaturgia es una adaptación de una novela, a teatro. Dramaturgia es la coreografía de un bailarín, podemos hacer dramaturgia de una pieza musical. Es la traducción de un idioma a otro. Es convertir una obra literaria, en una obra de teatro. E l teatro no es un género literario. Se hace dramaturgia para dar existencia a situaciones, gestos, acciones, espacio, tiempo, pensamientos y emociones de los personajes, solo cuando se presentan en escena. La dramaturgia emplea muchos lenguajes, no solo el hablado, ni el escrito. La dramaturgia espera develar cosas que el autor no devela o que apenas deja ver. Siempre hacemos una adaptación, porque convertimos las palabras en situaciones. El tema de una obra, pueden ser muchos. Las formas de la literatura son más desarrolladas que las del teatro. Hay muchos autores que no saben sobre que escribieron, todo depende de nuestra interpretación de la obra.

¿Dónde vamos a encontrar los materiales de escritura? Fuentes posibles de escritura, a donde voy a buscar mi material para trabajar.

En la literatura: Adaptaciones de obras literarias, o de algún tema en particular. Saber ¿Cuál es el espacio? ¿Cuál es el tiempo? ¿Cuál es su principio, su desarrollo y su final?

En el comienzo o final de una obra.

En lo histórico: La historia de personas, memoria colectiva.

En la vida cotidiana: Historias urbanas.

En su infancia: Metáforas de su universo personal, el otro yo. El consciente y lo inconsciente, la memoria, la fantasía. Los recuerdos, lo que me cuentan, lo que oigo, lo que veo, lo psicológico.

En las festividades, magia cotidiana de los acontecimientos.

Los ritos y los mitos: Los mitos: Héroes, y anti-Héroes, lo oral, la cuentearía, lo escrito.

Los carnavales.

Fiestas populares.

Lo ficcional: Sobre hechos  ficcionales, sobre espacios, sobre  pintura.

Otros textos.

Lo científico

 No son personajes ficcionales. Nada hay que inventar, todo esta en la cotidianidad. Cuando escribimos es la lengua y la mente, la que se estimula. Enamorarnos primero, y ver que pasa después.

Hay que escribir sobre lo que uno nunca dice, sobre lo que siempre ha ocultado. Saber siempre ¿En qué contexto vivo?

La palabra es espíritu. Es hecha ausencia, convocando lo ausente. Sustituye significantes. Atraviesa cosas, provocando cosas presentes.

Trato de ver en escena lo que escribo. Y escribir siempre al revés, por contraste, en escritura y actuación todo es al revés. Cuando hay que llorar, comenzamos riéndonos, y cuando hay que reír, comenzamos llorando. La guerra desde la dulzura. El drama desde el asesino. Mover todo el tiempo, el punto de vista de la obra. Escribir siempre, desde la aventura. ¿Qué quiero alcanzar? ¿A dónde quiero llegar? Es un problema de estructura. ¿A dónde me dirijo yo? ¿Con qué misión? El teatro es el arte de lo concreto. Saber cuál es el problema del tiempo cronológico, de lo que escribimos, ¿cómo es su dilatación? ¿Cómo es su tensión? porque si no lo hay, no hay espacio. En la práctica de escribir, ¿dónde esta lo imaginario?

Debe aparecer la urgencia de los personajes, para que aparezca el objetivo  y por ende la acción. Debe verse un eje rector de la acción de los personajes. ¿Cuál es la misión de cada personaje? En teatro la cualidad puede ser el problema.

La ironía dramática.

Empezar muchas cosas, y no querer acabarlas.

Las daba por escrito, pero no las había leído.

Somos pésimos lectores de lo que escribimos.

La ironía dramática, es una consecuencia activante: Tomar una  consecuencia imposible de una relación. La ironía dramática es un contraste. Tiene una función social. Hay que salir de los tópicos, fuera de su función cotidiana.

¿Porqué matan a Hamlet padre? ¿Quería el poder?

En nuestras categorías es una cosa muy fea, pero si proponemos que hubiera matado por amor, baja toda la moralidad, tiene más  derecho a amar que al poder. Así llegamos a otra conciencia del quehacer de la dramaturgia. Toda esta situación cambia, son interpretaciones de ¿Cómo leemos la obra? ¿Qué queremos expresar? Y a partir de estas preguntas, hacemos dramaturgia, hacemos adaptaciones. Cada tema es fuente de una adaptación. La adaptación se hace a través de un tema. Se organiza el material de acuerdo al ¿Qué queremos decir? Y buscar los elementos que sirven para la construcción de la adaptación, seleccionar las llaves para contar determinados temas. Saber seleccionar el camino correcto para realizar la adaptación. Todo el tiempo estamos decidiendo, y solo tenemos segundos para hacerlo, y debe ser siempre lo mejor.

Debo preguntarme ¿Qué quiero decir?

Debemos saber, ¿cuando comienza una obra y cuando termina? Que sintamos que esta cierra. Que sea contundente en la puntada final, que no haya duda de que terminó. Se siente en el cuerpo del espectador, es una sensación en el público.

Los personajes todo el tiempo buscan un objetivo, a través de la emoción, traducida en acción.

“La emoción es el movimiento por el cual la materia viviente se expresa” W. Reich

“El ritmo es la expresión esencial de la propia energía” Tao de la música.

“La energía son consideradas frecuencias positivas o negativas. La onda es una solución particular que se actualiza físicamente” Tao de la música.

“El ritmo es el equilibrio que permite expresar lo inexpresable y sostiene nuestras emociones, es la base de todo movimiento humano en el espacio, incluyendo la música”

“La acción no aspira a copiar la naturaleza sino que, a través de la síntesis, establece un nexo que origina la apariencia del movimiento de la vida. La articulación de los sucesos constituye una acción unitaria, algo irreal que provoca una ilusión. Mientras que en la vida real todo se presenta encadenado de manera casual, la ley mas general que rige la estructura de la acción poética o el acontecimiento, establece que esta acción tiene principio y fin, y que entre ambas transcurre una sucesión unitaria, y se parece a lo que nosotros deseamos para la vida misma”

“Pero la acción se sustenta con la cosmovisión de un poeta que imagina un personaje, lo sitúa en el seno de un conflicto e introduce a ambos en un ámbito de palabras y acciones significantes con las que explora la vastedad del mundo psicológico y metafísico.”

“El poeta dramático se caracteriza por la inclinación a explorar y registrar los impulsos se desencadenan las acciones humanas, obligándolos a enfrentarse y medirse con los impulsos que expresan las fuerzas universales.”

“En teatro, la acción dramática expresa los movimientos que se originan en los niveles internos y externos de los personajes, determinados dichos movimientos al plantearse preguntas como ¿Qué? ¿Quién? ¿Dónde? ¿Cómo? ¿Por qué? o ¿Cuándo? Que, al ser respondidas, dan pauta a la construcción de la frase dramática, que no es otra cosa que el planteamiento que en sí mismo contiene las características de la propia acción dramática, y través del cual se hacen de manifiesto la anécdota y la trama.”

Debemos escribir desde la vivencia, no del referente. La escritura como una experiencia y no como un objeto. Donde la ética se convierta en estética. El texto como un espacio de realidad, no de representación.

¡Lo bello y lo brutal están juntos!

¡Ser objetivo sin dejar de ser subjetivo!

El escribir teatro no es filosofía, ni poesía, la filosofía y la poesía matan la acción. Matan el teatro. Escribir desde el animal, ver los personajes desde diferentes animales, su comportamiento, su interactuar con los otros, para descubrir otras posibilidades.

Todo tiene una estructura: Principio, desarrollo, fin. Lo importante en una obra de teatro, es lo que ocurre.  

Cuando escribimos, debemos liberarnos de nosotros mismos, liberar a Dionisio. Auto libero, en el acto de liberar a otro. Escribir alegremente, hacia lo desconocido. Redescubrir el mundo racionalista-imaginativo de la infancia, reexaminar los elementos estructurales que unen a ese mundo.

Escribir es abrir nuevas puertas. Se trabaja con lo concreto de la imaginación. Trabajar con lo inesperado, porque la vida trabaja con lo inesperada. Cuando escribimos, lo debemos hacer con misterio. Escribir es hacer algo, que muestra el espíritu del otro, es un acto comunicativo, de relación como en el amor. Cuando escribimos hay un salto poético, que es lo que desconcierta. Cuando escribimos, debemos construir desde adentro, desde el espacio interior.

 Tener muy claro ¿Desde dónde hablamos? Y ¿Para quién hablamos?

Sobre la acción.

Debemos elaborar una secuencia de acciones, para que el personaje logre sus objetivos, para que aparezca la emoción. Hay una partitura emocional que uno busca y otra la que escribe. Es un juego. El escribir es un juego, donde tú eres el creador. No matar el juego, abrir puertas, todo es una convención. Sentir la urgencia de hacer, antes que de hablar. El teatro es ante todo acción. Una acción de estatus. El teatro es un juego de estatus, entre diferentes personajes y en diferentes situaciones, espacios y tiempo. Saber ¿cuándo un personaje esta por encima de otro? o ¿cuándo por debajo? o ¿cuándo a la misma altura? El teatro es un juego de poderes entre los hombres. Todo debe ser seleccionado, y muy bien escogido. Nada es gratuito, todo debe tener un propósito, pero

También hay personajes que no tienen  ningún propósito, libre de objetivos. Su objetivo es no tener ningún objetivo. Hacer sin acción.

El tiempo. ¿Cómo se condensa el tiempo? ¿Cómo se para o se cancela el tiempo?

El teatro es una feria de atracciones, el vestuario, el gesto, la actuación, el maquillaje, la música, la expresión corporal, la escenografía y en general el juego de toda la puesta en escena.

Sentir todo el tiempo el ritmo de lo que uno escribes, para lograr variar, para dar sentido. “El ritmo: Es la expresión esencial de la propia energía. Es el equilibrio que permite expresar lo inexpresable y sostiene nuestras emociones, es la base de todo movimiento humano en el espacio, incluyendo la música.”

 Debemos escribir, como cuando escribimos cartas de amor, sencillas, hermosas y profundas. Sentir todo el tiempo, donde comienza y dónde termina cada acción, para que presente una estructura que permita interrelación con el otro.

Se escribe dentro de una estructura.

¿Cómo aprender a hacer una acción?

1. De su propia experiencia, recuerdos. La canción de mi mismo, algo que es importante para mi mismo, algo que devuelve algo de mi mismo.
2. Técnicamente comience con cuatro pasos, partiendo de esto se crea todo un mundo.
3. Creando y teniendo cuidado en las circunstancias dadas: ¿Dónde? ¿Cuándo? ¿Por qué?
4. El sí mágico. ¿Qué haría yo? ¿Qué pasaría si yo? Memoria emotiva.

Lo que escribimos debe despertar sensaciones en el espectador. Siempre creamos sobre las emociones del espectador. El teatro debe sorprender al espectador, como una feria de atracciones. El teatro debe recrear la mente del espectador. Sorprender al lector en todo momento. El teatro es la gran metonimia. Siempre en búsqueda del sentido,  creamos fragmentos de significación. Cuando escribimos sobre algún mito, como estructura narrativa, puede ser vista o escondida. Invisible.

El secreto de la escritura esta en ser natural, escribir sin tanto teatro. Escribo mi cuaderno de sueños, en sensaciones. ¿Cómo se hablar del amor hoy? No se vive lo mismo que en el s xx. Son unas nuevas reglas personales que yo me doy. Lo que yo me pueda inventar. Escribo desde el yo. Como veo este mundo que me rodea. La lengua es el instrumento.

Toda acción debe tener un inicio, un medio y un final. Como dicen los orientales, el principio universal: Jo, Ha, Kyu: Introducción, Desarrollo y Clímax o Desenlace. Toda actividad no es una acción. Se debe ver algo en concreto. ¿Cómo se visten? ¿Cómo es el espacio? ¿Cómo es el tiempo? No escribir nada en general. Apuntar siempre al detalle. La escritura es el arte del detalle. La transformación de un personaje puede ser a partir del lenguaje. Saberle decir a un personaje que no debe hacer, y que es lo mejor para él. El personaje no existe en el texto, es el resultado de lo que hacen los actores. No se pone cara de personaje, se hacen acciones, se escriben acciones. Crear una acción  es crear un pequeño mundo. Hay veces los personajes no se ven bien, porque las escenas son muy cortas, y no permiten la lectura. No se ve su función. Su necesidad. Son imágenes imposibles de realizar teatralmente. Ejemplo: “Las cigüeñas cubren las nubes”. Debemos de saber si las imágenes son fuertes o no, y desecharlas.

Preguntarme, ¿Qué es lo que me perturba? ¿Qué es lo que me incomoda? Para poder ver bien. Evitar relaciones ambiguas, ganar la claridad. Evitar las acciones raras. Son muchos los personajes que no pueden ver bien. Los personajes se van viendo en proceso. No se ve un dibujo en general, al principio. Lo va entendiendo a medida que se acerca  a él. Es un mundo donde todo es posible y no es del todo verdad. ¿Dónde esta mi limite?

Se debe decidir sobre un estilo, y no un encuentro de estilos, no da sentido de unidad, no se siente organicidad. Evitar el lenguaje literario, mata la acción. Preguntarnos, ¿Qué estamos esperando del público? La dramaturgia es abrir puertas. Desorganizar la cronología. Otra manera de manejar la fábula. In quietar todo el tiempo al espectador. Desconcertarlo, de atracción en atracción. A un riesgo de los personajes. No volver la escritura una pantalla de televisión.

¿Para qué época estamos hablando y escribiendo? Es fundamental hacer rupturas. No temer a las influencias. Se escribe conociéndolos. El teatro es el recuerdo siempre de alguien que no esta. Como si las paredes hubieran entrado en nuestro cuerpo. ¿Por qué habla? ¿Qué empuja al personaje a hablar? ¿Qué pasa en él entre el pensar y el hacer? Son preguntas fundamentales, que exigen de ti lo mejor, para responderlas a través de los personajes. Tengo derecho a hacerle hablar, sin ser yo lo mas natural posible.

“Escribir es pasar todas las fronteras de si mismo” Gustav Flaubert

El escribir es el encuentro de mis fronteras. ¿En qué frontera se encuentra mi personaje? Momento de confrontar hombre-Público, hombre-privado. Momento de descubrir mis fronteras. Fronteras de raza, de sexo, de enfermedad, de trabajo, de estudio, etc.

Escribir siempre con los sentidos. Un personaje que todo lo oye, orejón, que todo lo ve, ojón., que todo lo tiene que tocar, tocón. O todo lo tiene que oler, como el personaje de la novela, “El Perfume” (Historia de un asesino) de Patrick Suskind.

 Personajes que no conversan sino que hacen cosas. La acción dramática como esencia del teatro y que se expresa a través de antagonistas que hablan, actúan y se transforman. Hasta las pausas breves o extensas, o prolongaciones de las palabras emitidas, o introducciones a los nuevos temas en que las palabras nos sitúan. Y los antagonistas son representaciones simbólicas que nos sumergen en el flujo de las conflictivas e insondables fuerzas que lo dirimen todo, como también lo entendieron en su momento los grandes dramaturgos griegos de la antigüedad.

Crear cierta exasperación de la escena. Hay una partitura emocional que uno busca, y otra escrita. Todo es un juego a través de los personajes. Saber cual es la palabra que tiene todo el sentido, la cual no se puede cambiar, porque es la que le da el sentido y la intención a la siguiente.

El dramaturgo es un creador por excelencia. Son artistas que utilizan materiales poéticos: Contar historias al público. Los dramaturgos tenían la exclusividad de contar historias, ahora les hace competencia el cine y la televisión. Se refugio en su específico: tenia que ser en vivo y la capacidad poética.

El teatro fue una rama viva de la literatura narrativa. Nace una actividad poética: La metáfora como fenómeno específico, se vuelve esencia del teatro. Los directores de teatro descubrieron que también ellos podían hacer dramaturgia. Crea un imaginario poético. Escribe en imágenes. Se instala con tanta fuerza que gana terreno. El poeta integral: Escribe discursos en imágenes.

La metonimia, muestra la parte por el todo. Con una parte recrea en la cabeza del espectador, el todo: Sus palabras, sus gestos, sus emociones. Es de carácter popular. Es el emblema del teatro: Hacemos un corte  de una parte que el espectador recrea mentalmente. La metonimia es el tropo básico del teatro: Una pequeña cosa que crece en la cabeza de su imaginario. No tanto en el cine. Es el secreto del teatro. No lo puede mostrar todo. Doy una pequeña parte al espectador: Lo recrea, mueve el músculo de la imaginación. El teatro es maravilloso. Podemos hacer lo que queramos, el problema es encontrar como hacerlo.

La imagen figura de complejidad poética y la imagen teatral, no solo visual, también es aquello que puede aparecer en el imaginario. Lo que yo le muestro al espectador y lo que este capta. El fenómeno de la imagen captada por todos los sentidos.

Cuando creamos dramaturgia, es hacer una trencha de cuatro tiras, hay una que es la columna vertebral, el hilo alma: Son los sentidos, la indagación sensorial. La imagen se da por sensoriabilidad. Convertir ideas en imagen, es inevitable. Lo dramático es indagación. La acción: ¿Qué pasa? ¿A quién se enfrenta? Lo poético: ¿De qué habla de lo que estoy concibiendo? ¿Cuáles son los recursos metafóricos? Descubrirlas en imágenes poéticas. Es aquí dónde entra a funcionar, la metonimia y la metáfora, como herramienta de autor, director y actores. Nos conectamos sensorialmente con lo que quiero decir. Todo en función de los sentidos: La sangre en Macbeth. Todo lo que esto puede evocar: El gusto, la textura en las manos, es una imagen que el tiempo volvió metáfora: El olor a sangre. La sangre se queda pegada en las manos del asesino. Todo debe salir de los sentidos, nada de la retórica. Se conecta uno sensorialmente: Los diálogos son de los personajes, no los tuyos. Hay personajes auditivos, visuales, táctiles: Puro tacto. Cuando aprendo a escuchar, en mi silencio, lo oigo todo y comienzo a escribirlo. Es un hecho orgánico, me lo pide mi propia sensibilidad. Debe haber un paréntesis, un alto en la acción de escribir, donde se debe leer todo lo que se ha escrito para corregir, si algo no suena al oído, no tiene ritmo, le pongo un paréntesis. Cuando hay algo que no funciona, que se siente que no suena: Se instala la musicalidad sensorial.

Soy un basurero, soy un  reciclador, soy un recolector de palabras usadas: Las pongo en boca de algún personaje, hay que tenerlas en el oído, para que el personaje se exprese a través de estas.

Cuando comenzamos a escribir, debemos pensar que estamos desarrollando una misión, con noción de aventura y expectativa. Siempre pensando en acciones concretas. Nombres sonoros que caractericen. Todo el tiempo generarle preguntas a los personajes, para jalonarlos hacia delante.

Todo el tiempo, la historia y los personajes deben de tener una dirección, para sentir que avanzan. Mezcla de relato y dialogo.

¿Cuál es la función de narrar? El narrador genera acción. Tiene personalidad. Interviene en la acción e incide en ella. Debemos saber ¿Cual es su objetivo? ¿De dónde habla? ¿Para quién habla? ¿Desde cuándo habla?

Las pequeñas cosas van dando vida, al mundo del texto. El texto es el arte del detalle. El narrador debe generar misterio y suspenso, de esta manera amplia las situaciones, las dimensiona. Se hace cuento. No es necesario que haya muerte, para que haya tragedia.

Escribir sensitivamente. Escribir desde la emoción, desde los sentidos. Escribir desde lo que duele para sacar lo oculto, lo promonitorio, sacar el taco de la garganta. Pensar en la sensibilidad de los personajes, no quedarnos en lo abstracto. Crear un espacio de sensaciones, crear sensaciones con el lenguaje, con las palabras

Escribir para el cuerpo, en sensaciones concretas.

Debe haber una promesa de develación o revelación, que debe cambiar la situación. No quedarnos en la promesa. Es texto hecho actor. Cuando escribimos esta la presencia del cuerpo. Los personajes están al borde del delirio, los personajes están al borde del llanto, como cualidad. El personaje no se puede describir o retratar, hay que mostrarlo. Para dar a conocer un personaje, este debe de actuar en el presente, ya sea que la acción se desarrolle en el pasado o en el futuro.

Pensar en el aquí y ahora, cuando escribimos.

Cuando escribimos teatro, debemos de pensar en el espacio que utilizamos para cada escena. Es un espacio ¿visible?, es un espacio ¿invisible o abstracto? ¿Cuál es el espacio interior de cada personaje? Esto determinara su comportamiento y su relación con los demás personajes.

Cuando escribimos teatro, debemos de pensar en el tiempo que utilizamos para las escenas. Es un tiempo ¿Cronológico?, es un tiempo ¿escénico?, o es un espacio ¿interior? ¿O son los tres a la vez?

Somos domadores de serpientes, dirigimos la percepción del espectador o lector a medida que escribimos, escribir es un acto de la razón y de la inspiración. Entre mas agudo y preciso es el lenguaje que ponemos en boca de los personajes, mas duro  golpea la percepción del espectador. Acentuar o detener las pausas, en cada una de las acciones que hacen los personajes, en las transiciones que unen una acción de otra.

El autor debe saber, el perfil emocional de cada acción, como una feria de atracciones para ganar la atención del lector o espectador. El leer una obra de teatro, debe ser un devenir constante, insólito, sorpresivo y atractivo de situaciones. El teatro es una estructura, que sostiene un mundo, lógico-sensorial de los personajes.

El teatro es sangre, piel y color.

La sangre (la motivación) de la piel (forma) y del color (tensión) de la sangre. Debemos concebir textos en vida, que seduzcan, que fascinen y que enciendan la energía del cuerpo. El texto es un organismo vivo, que exige destruirse así mismo, para ser otro, para que no muera ni pierda su sangre (su motivación).  

Cuando escribimos sobre un mito, como estructura del texto, puede ser vista o escondida. Invisible.

Continuará.